Peter Hujar / Liz Deschenes
"Persistence of Vision"

Exhibition: 19 March – 28 June 2026
Opening: Wednesday, 18 March, 7pm

Bringing together works by Peter Hujar and Liz Deschenes, Persistence of Vision opens an intergenerational dialogue on photography. Marking the first major exhibition of both Hujar’s and Deschenes’ work in Berlin, the show proposes an expansive understanding of the medium while foregrounding the uncompromising clarity of vision that defines their practices.

"I make uncomplicated, direct photographs of complicated and difficult subjects. I photograph those who push themselves to any extreme and people who cling to the freedom to be themselves."
— Peter Hujar

Working in New York City from the 1960s to the 1980s, Peter Hujar (1934–1987) captured the transformative cultural era between the Stonewall uprising and the onset of the AIDS crisis in piercing black-and-white photographs. Deeply rooted in and inspired by the artistic life of the East Village, he portrayed New York’s downtown avant-garde and queer communities, including figures such as William S. Burroughs, Candy Darling, Susan Sontag, Paul Thek and David Wojnarowicz. Spanning portraits as well as incisive images of animals, nature and urban ruins, Hujar’s work explores themes of community, sexuality, decay and death.

With around 120 photographs, many of them on view for the first time in Berlin, Persistence of Vision provides a comprehensive insight into all phases of his œuvre, from early photographic experiments in the 1950s to his mature studio works made before his death in 1987 from AIDS-related illness.

In the exhibition, Hujar’s photographs are interspersed with contemporary works by New York City-based artist Liz Deschenes, inviting viewers to consider each artist’s practice in a new light. Although belonging to different generations and employing distinct visual languages, both artists share a deep interest in the material possibilities and techniques of photography, architecture and the role of beauty.

"My work is often in reaction to the limited scope that photography is often understood by. I think photography is capable of much more than representing a particular moment in time." — Liz Deschenes

Liz Deschenes (*1966) creates sculptures and non-representational photographic works that employ the fundamental properties of the medium – light, chemistry and time – to explore the very essence of what a photograph can be.

In early projects such as her Elevations or Green Screen series, Deschenes approaches colour as a central subject, creating monochrome works that unsettle the distinction between photographic image and physical object. In more recent work, she has turned to photograms, exposing black-and-white photographic paper to natural and artificial light at night outdoors, and uses chemicals to fix and process the exposure, to create silvery images that reveal subtle tonal variations and delicate surface textures. One of her more frequently recurring mediums is glass, both as a printed surface and in sculptural works without a photographic component. Many of these works take on a sculptural and processual quality, reflecting both the surrounding exhibition space and the gaze of the viewer, and continuing to evolve over time through ongoing oxidation.

The exhibition "Peter Hujar / Liz Deschenes: Persistence of Vision" is presented on the first floor of Gropius Bau. Several galleries are centered around grid installations of photographs inspired by Hujar's exhibition at Gracie Mansion Gallery in 1986 (which would be the last in his lifetime), where the works were presented in a tightly structured yet seemingly random configuration. His images formed an ensemble that resisted categorisation, whether depicting nudes, portraits, animals or ruins. The power that lies in difference – central to Hujar’s thinking – also informs Deschenes’ practice, which continually challenges established conventions of the medium.

Works by the two artists are presented in direct juxtaposition, creating a dialogue between their distinct approaches. Liz Deschenes’ moonlight-exposed photograms enter into a poetic exchange with Hujar’s cinematic pictures of New York at night, underscoring their shared exploration of night not only as a subject matter but as a medium in its own right. In another gallery, Hujar’s photographs of ruins meet Deschenes’ Retaining sculptures, inspired by scaffolding systems designed to stabilise historic buildings undergoing preservation. Together, these works resonate with the Gropius Bau’s own architectural history: after the near-total destruction of its roof and upper floors during the Second World War, the building stood as an abandoned ruin until 1978.

Deschenes’ works introduce a dramaturgical rhythm to the exhibition. Her works are attuned to motion, light, and the presence of bodies in space. Juxtaposed with Hujar’s intimate portraits of friends and peers, they invite visitors to gain a deeper, more sustained engagement with the act of viewing.

Curated by Eva Respini, Co-CEO and Curator at Large, Vancouver Art Gallery, with Monique Machicao y Priemer Ferrufino, Curatorial Fellow Exhibitions, Gropius Bau

In partnership with Gropius Bau, the Bundeskunsthalle in Bonn presents "Peter Hujar. Eyes Open in the Dark" from 27 February to 23 August 2026.

Peter Hujar (1934–1987) was raised by his Ukrainian immigrant grandparents in a semirural New Jersey community. As a child, he began to document the animals and farm life surrounding his family’s house, using his mother’s camera. At the age of twelve, he moved to New York City to live with his mother and stepfather.

In high school, an English teacher recognised his potential and encouraged him to pursue photography. Upon graduating, Hujar worked as an assistant to editorial photographers and used the studios’ darkrooms to make his own prints. A Fulbright scholarship took him to Italy in 1962, where he studied film and travelled extensively. A visit to the Palermo Catacombs with his then-partner Paul Thek left a deep impression and sparked a lasting concern with mortality. Back in New York City, Hujar socialised with fellow artists, writers and performers active in the East Village, portraying iconic figures such as Candy Darling, William S. Burroughs and Susan Sontag. A masterclass with photographer Richard Avedon in 1967 marked a turning point for Hujar: it led him to leave his commercial photography job and dedicate himself fully to his artistic practice. Capturing scenes of avant-garde and queer life between the 1969 Stonewall uprising and the AIDS crisis of the 1980s, his photographs serve as documentation of the community’s efforts to carve out spaces of resistance.

Known for his uncompromising character and meticulous control over how his work was presented, Hujar never achieved mainstream success during his lifetime. It was only after his passing due to an AIDS-related illness that his photographic work gained wider recognition and admiration.

Liz Deschenes was born in Boston and lives and works in New York City. She earned her Bachelor of Fine Arts degree from Rhode Island School of Design, where she studied broadly with a concentration in Photography. She currently teaches in graduate programmes in New York City, with an emphasis on interdisciplinary pursuits and research.

Deschenes has explored the fundamental properties of photography – light, chemistry and time – and implemented newer printing technologies and substrates. One of her more frequently recurring mediums is glass, both as a printed surface and in sculptural works without a photographic component. In all her work, Deschenes pushes the boundaries of medium-specificity and questions what a photograph can be.

Deschenes’ distinct visual language resists fixed meanings, emphasising photography’s inherent fluidity. Many of her works acquire architectural qualities, reframing the spaces they inhabit. In her sculpture, she explores how viewers move through space and encounter art in relation to architecture. Through spatial arrangements that shift with the viewer’s position, Deschenes’ work poetically addresses the conditions of perception: through which devices – bodily and technological – do we experience the world?

Peter Hujar / Liz Deschenes
"Persistence of Vision"

Ausstellung: 19. März bis 28. Juni 2026
Eröffnung: Mittwoch, 18. März, 19 Uhr

Die Ausstellung Persistence of Vision vereint die Arbeiten von Peter Hujar und Liz Deschenes und bringt diese in einen generationsübergreifenden Dialog über Fotografie. Die erste große Ausstellung der Werke von Hujar und Deschenes in Berlin formuliert ein erweitertes Verständnis des Mediums und hebt die kompromisslose Klarheit der Vision hervor, die das Werk beider Künstler*innen verbindet.

"I make uncomplicated, direct photographs of complicated and difficult subjects. I photograph those who push themselves to any extreme and people who cling to the freedom to be themselves."
— Peter Hujar

Peter Hujar (1934–1987), der in der Zeit zwischen den Stonewall-Protesten von 1969 und der AIDS-Krise in den 1980er Jahren in New York City arbeitete, hielt diese entscheidende kulturelle Phase in eindringlichen Schwarz-Weiß-Fotografien fest. Seine Arbeit war tief verwurzelt im künstlerischen Leben des East Village. Er porträtierte die queeren und Avantgarde-Communitys in Lower Manhattan, darunter Persönlichkeiten wie William S. Burroughs, Candy Darling, Susan Sontag, Paul Thek und David Wojnarowicz. Neben diesen ikonischen Porträts umfasst Hujars Werk prägnante Bilder von Tieren, Natur und urbanen Ruinen und beschäftigt sich mit Themen wie Gemeinschaft, Sexualität, Verfall und Tod.

Die Ausstellung Persistence of Vision zeigt rund 120 seiner Fotografien, von denen viele erstmals in Berlin zu sehen sind. Sie bietet einen detaillierten Einblick in alle Phasen seines Schaffens, von den frühen fotografischen Experimenten der 1950er Jahre bis hin zu seinen späten Studioarbeiten, die vor seinem Tod an den Folgen einer AIDS-bedingten Erkrankung im Jahr 1987 entstanden sind.

In der Ausstellung werden Hujars Fotografien mit aktuellen Werken der in New York City lebenden Künstlerin Liz Deschenes verwoben. Diese Gegenüberstellungen laden dazu ein, die Arbeit beider Künstler*innen aus einer neuen Perspektive zu betrachten. Obwohl sie verschiedenen Generationen angehören und unterschiedliche Bildsprachen nutzen, verbindet Hujar und Deschenes ein tiefes Interesse an den materiellen Möglichkeiten und Techniken der Fotografie.

"My work is often in reaction to the limited scope that photography is often understood by. I think photography is capable of much more than representing a particular moment in time." — Liz Deschenes

Liz Deschenes (*1966) schafft Skulpturen und ungegenständliche fotografische Arbeiten, die grundlegende Eigenschaften des Mediums – Licht, Chemie und Zeit – nutzen, um das Wesen dessen zu erforschen, was eine Fotografie sein kann.

In frühen Werkgruppen wie Elevations oder Green Screen beschäftigt sich Deschenes mit Farbe als zentralem Thema und kreiert monochrome Werke, die die Unterscheidung zwischen fotografischem Bild und physischem Objekt infrage stellen. Als Teil ihrer jüngeren Arbeiten setzt sie Schwarz-Weiß-Fotopapier nachts im Außenraum natürlichem und künstlichem Licht aus und entwickelt das Entstandene mithilfe chemischer Prozesse. So entstehen silbrig schimmernde Fotogramme mit subtilen Farbnuancen und feinen Oberflächenstrukturen. Eines ihrer häufigsten Medien ist Glas, das sie sowohl als bedruckte Oberfläche als auch in skulpturalen Arbeiten ohne fotografische Komponente einsetzt. Viele ihrer Werke haben eine skulpturale und prozesshafte Qualität: Sie reflektieren den umgebenden Ausstellungsraum ebenso wie den Blick der Betrachtenden und verändern sich durch fortschreitende Oxidation im Laufe der Zeit.

Die Ausstellung "Peter Hujar / Liz Deschenes: Persistence of Vision" wird im ersten Obergeschoss des Gropius Bau zu sehen sein. Mehrere Ausstellungsbereiche gruppieren sich um rasterartig angeordnete Hängungen von Hujars Fotografien, die sich an seiner letzten Ausstellung zu Lebzeiten (Gracie Mansion Gallery, 1986) orientieren. Dort präsentierte er seine Werke in einer streng strukturierten und zugleich scheinbar zufälligen Anordnung. Ob Aktdarstellungen, Porträts, Tiere oder Ruinen – die Bilder bildeten ein Ensemble, das sich jeder Kategorisierung widersetzte. Die Kraft, die in der Differenz liegt – ein zentrales Moment in Hujars Denken – prägt auch Deschenes’ Praxis, die immer wieder die etablierten Konventionen des Mediums Fotografie hinterfragt.

In ausgewählten Räumen werden Werke der beiden Künstler*innen in direkter Gegenüberstellung präsentiert, sodass ein Dialog zwischen ihren Ansätzen entsteht. Die bei Mondlicht enstandenen Fotogramme von Liz Deschenes treten in einen poetischen Austausch mit Hujars filmisch anmutenden Bildern des nächtlichen New York. Diese Paarung unterstreicht ihr gemeinsames Interesse an der Nacht – nicht nur als Thema, sondern als eigenständiges Medium. An anderer Stelle treffen Hujars Fotografien von Ruinen auf Deschenes’ Skulpturenserie Retaining, die von Gerüsten inspiriert ist, mit denen historische Bauwerke während der Restaurierung stabilisiert werden. Gemeinsam verweisen diese Arbeiten auch auf die Geschichte des Gropius Bau, der selbst bis 1978 als Ruine leer stand, nachdem das Dach und die oberen Stockwerke im Zweiten Weltkrieg fast vollständig zerstört worden waren.

Deschenes’ Werke verleihen der Ausstellung einen dramaturgischen Rhythmus; sie sind auf Bewegung, Licht und die Präsenz von Körpern im Raum abgestimmt. In der Gegenüberstellung mit Hujars intimen Porträts von Freund*innen und Weggefährt*innen laden sie dazu ein, innezuhalten und sich intensiver mit dem Akt des Sehens und Betrachtens auseinanderzusetzen.

Kuratiert von Eva Respini, Co-CEO und Curator at Large, Vancouver Art Gallery, mit Monique Machicao y Priemer Ferrufino, kuratorisches Volontariat Ausstellungen, Gropius Bau

In Partnerschaft mit dem Gropius Bau zeigt die Bundeskunsthalle in Bonn vom 27. Februar bis 23. August 2026 "Peter Hujar. Eyes Open in the Dark"

Peter Hujar (1934–1987) wuchs bei seinen ukrainischen Großeltern in einer ländlich geprägten Gemeinde von New Jersey auf. Als Kind begann er, mit der Kamera seiner Mutter die Tiere und das Farmleben rund um das Haus seiner Familie zu dokumentieren. Im Alter von zwölf Jahren zog er nach New York City zu seiner Mutter und seinem Stiefvater.

In der High School erkannte eine Englischlehrerin sein Potenzial und ermutigte ihn, sich intensiver mit der Fotografie auseinanderzusetzen. Nach seinem Schulabschluss arbeitete Hujar zunächst als Assistent für kommerzielle Fotograf*innen und nutzte ihre professionellen Dunkelkammern, um seine eigenen Abzüge zu entwickeln. Im Rahmen eines Fulbright-Stipendiums ging er 1962 nach Italien, um Film zu studieren und ausgiebig zu reisen. Ein Besuch in den Katakomben von Palermo mit seinem damaligen Partner Paul Thek hinterließ bei ihm tiefen Eindruck und weckte sein lebenslanges Interesse am Thema Sterblichkeit. Zurück in New York City war Hujar Teil der Szene im East Village, die aus Künstler*innen, Schriftsteller*innen und Performer*innen bestand. Er porträtierte legendäre Persönlichkeiten wie Candy Darling, William S. Burroughs und Susan Sontag. Eine Meisterklasse bei dem Fotografen Richard Avedon im Jahr 1967 markierte für Hujar einen Wendepunkt: Er gab die kommerzielle Fotografie auf und widmete sich ganz der künstlerischen Arbeit. Er fotografierte Szenen aus dem avantgardistischen und queeren Leben in der Zeit zwischen dem Stonewall-Aufstand 1969 und der AIDS-Krise der 1980er Jahre. Seine Fotografien dokumentieren die Bemühungen der Community, Räume des Widerstands zu schaffen.

Hujar war bekannt für seinen kompromisslosen Charakter und seine unbeirrbare Konsequenz hinsichtlich der Präsentation seiner Werke. Zu Lebzeiten gelang ihm nie der Durchbruch in der etablierten Kunstszene. Erst nach seinem Tod an den Folgen einer AIDS-bedingten Erkrankung fanden seine fotografischen Arbeiten breitere Anerkennung und Bewunderung.

Liz Deschenes wurde 1966 in Boston geboren und lebt und arbeitet in New York. Sie hat einen Bachelor of Fine Arts der Rhode Island School of Design mit einem Schwerpunkt auf Fotografie. Derzeit lehrt sie an verschiedenen Hochschulen in New York City, wobei ihr Fokus auf interdisziplinärer künstlerischer Forschung liegt.

Deschenes beschäftigt sich mit den grundlegenden Aspekten der Fotografie – Licht, Chemie und Zeit – und experimentiert mit neuen Drucktechnologien und Trägermaterialien. Sie arbeitet häufig mit Glas, das sie bedruckt oder in skulpturalen Arbeiten verwendet, die keine fotografischen Elemente enthalten. Deschenes‘ Werk erkundet die Möglichkeiten dessen, was Fotografie sein kann und stellt die engen Grenzen des Mediums immer wieder in Frage.

Die unverwechselbare Bildsprache der Künstlerin widersetzt sich festgelegten Bedeutungen und betont die der Fotografie innewohnende Fluidität. Viele ihrer Arbeiten erinnern an architektonische Strukturen und interpretieren die Räume, in denen sie sich befinden, neu. Ihre Skulpturen loten das Verhältnis von Kunst zu Architektur aus, thematisieren die Bewegung der Betrachtenden durch den Raum und machen sie sichtbar. Durch räumliche Anordnungen, die sich je nach Blickwinkel und Position der Betrachtenden verändern, befasst sich Deschenes' Arbeit auf poetische Weise mit den Voraussetzungen von Wahrnehmung: Anhand welcher Mittel – körperlicher und technologischer Art – erleben wir die Welt?